「Bluerider ART ╳ Hotel MVSA」白色三戀第三章《白玉》國際藝術家群展，將於 2025 年 12 月 6 日至 2026 年 2 月 28 日 全館展出，集結 18 位海外藝術家、共 50 件匠心藝術精品。展覽以多元複合媒材與獨特作品結構，沿著慕舍酒店各層廊道與空間鋪展，在藍騎士藝術獨有的策展座標引領下，打造一場融合視覺、場域與情感的白色美學旅程。

本次慕舍酒店攜手 Bluerider ART 跨界策展，以《白玉》為題，將藝術、美學與品味生活交織，打造全新的多感官體驗。米其林二星「渥達尼斯磨坊」主廚也特別以《白玉》為靈感重新詮釋經典料理，於 12 月 4 日 預展座談會及 12 月 26 日 Gala 晚宴 中獻上代表性菜餚。以干貝象徵純淨無瑕的白色意象，呼應「白色之戀第三章」作品中的留白、光澤與靜謐韻味

Bluerider ART 藍騎士藝術與慕舍酒店於 12 月共同呈獻《白玉》國際藝術家群展，開啟「白色之戀—第三章」的藝旅之路。由王薇薇女士（Elsa Wang）創立的 Bluerider ART 長期代理前瞻性國際藝術作品，持續推動東西方當代藝術的文化對話。

慕舍酒店主理人王劭仁（Arthur Wang）擁有西班牙、日本料理及餐酒美學底蘊，此次與藍騎士藝術攜手，以雙線並行的策展與餐飲設計深化酒店品牌內涵，打造兼具視覺、味覺、嗅覺的跨界感官盛宴。

為呼應展覽，米其林二星渥達尼斯磨坊主廚以《白玉》為名復刻經典菜餚 ── 干貝薄片，如海潮初醒的波粼，象徵「白色之戀第三章」成熟內斂的光輝。干貝唇經糖與鹽細緩醃製，搭配三次滾水去澀的核桃醬汁，再以迷迭香煙燻增添氣韻，化作沉靜而耀眼的泡泡形態，入口宛如海沫輕融。此精髓料理於 Gala 晚宴呈現，伴隨藝術、品酒與歌劇，讓美感在餐桌流動；藍騎士藝術在慕舍酒店精緻空間中綻放，透過藝術與料理喚醒五感，共譜一場極致美學的跨域體驗。

時序入冬，2025 年歲末，Bluerider ART 以高端藝術攜手 Hotel MVSA 的精緻品味，於慕舍館內呈現 50 件展品，匯聚來自瑞士、阿根廷、德國、西班牙、中國、美國、加拿大、法國、捷克共 9 國、18 位藝術家的創作。本次跨國藝術盛收自 2025 年延續至 2026 年，當中包含《Montcanus》、《Tafelobjekt》與《White wing airplane on boat》等經典代表作，觀者可在展期間深入品鑑其藝術脈動。

為德國藝術家—安格拉 • 格拉札 (Angela Glajcar) 的山火系列重要代表作，其標誌性的手撕紙語彙，以 400g 純白工業紙層層手撕、堆疊，如羽翼翻湧、如火山瞬凝。作品介於靜與動、重量與無重之間，象徵地殼能量瞬間爆發的原始力量。

出自德國藝術家—威利 • 希伯 (Willi Siber)「形體、光線與物質感」的代表性系列之一，以 MDF 木質纖維板為基底，覆以光滑琺瑯層，整體以低調白色呈現一片近乎無瑕的視覺場域，其珍珠光澤般的視覺變化，在平面與立體間，蘊含著極簡能量的白色低語。

來自西班牙藝術家—約瑟普 • 里埃拉 • 伊 • 阿拉貢 (Josep Riera i Aragó)，延續對機械意象、航行符碼與人類夢想的持續探索。以飛機與船舶組合為主體，上方白翼飛機以半月狀壓痕與塗層呈現，如被時間拋光的考古碎片，底部船身由木材與黃銅拼貼承載，呈現重力與漂浮間的張力，象徵旅程、生命、方向與探索。

第 14 屆台北雙年展「地平線上的低吟」11 月 1 日於臺北市立美術館（北美館）開幕。展覽由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力，一種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。既是個人也是集體的，柔弱而倔強；是將渴求連結至想像及變革的線索。展覽試圖以低聲而堅定的語調談論未來，而非高聲宣示。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性，一些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）則象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展的概念基於三件看似尋常、卻富有象徵性的物件，它們並未以實體在展間中出現，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻：侯孝賢的電影《戲夢人生》（1993）中出現的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真的短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。這些文學和電影文本共同鋪陳本屆雙年展的架構，三種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，而單車則隱喻追尋。

雙年展將當代作品與北美館典藏作品交織呈現，將近30件館藏作品分布於展場各處，與新委託創作及借件作品展開對話。其中，來自 1930 至 1980 年代的攝影作品構成貫穿雙年展的線索，呼應展覽概念的出發點「尪仔」、「日記」與「腳踏車」；其他作品則在形式或主題上，與展場中特定作品產生共鳴。這些典藏作品不僅以歷史作品現身，更成為思慕的活性媒介，連結延續與轉化。這樣的策展方法，使曾塑造臺灣文化的藝術家，與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代對話。

本屆展覽特別打造以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔。這些懸浮的元素形成具穿透性的界面，透過佈局使觀者視線能穿越展廳，創造空間連結的節奏律動。此空間策略呼應雙年展的主題脈動，引領觀眾沉浸於流動且具沉思性的觀展經驗。此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡，並開啟理解雙年展理念的易達路徑。

策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「我們希望創造一個唯有在此地能實現的雙年展——傾聽那些形塑臺北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。我們與臺北市立美術館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當堅持深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在『地平線上的低吟』中，思慕就是那座橋樑—— 它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」

一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品。這些作品共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。

邱子晏（1985年生於苗栗三義）在 《偽飛行場》（2025） 中，重建一個日本殖民統治時期的誘敵機場。透過由鐵架和紙板手工搭建的零式戰鬥機，以及駕駛艙內的錄像，這個現地製作融合歷史事實與虛構敘事，檢視集體記憶的形塑過程。

西爾維・塞利格（1941年生於尼斯）的刺繡作品重新詮釋與蛻變相關的神話題材。

寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷）的 《愛在死亡之後》（2025）打造沉浸式儀式空間，在其中，哀悼、記憶與信仰在聲響與光影閃爍中交融共生。

地下樓的作品聚焦「身體」，將其視為見證與轉化發生的場域。該樓層猶如一面地下鏡像：觀者在此深入自我內在，而思慕則透過呼吸、重複與儀式逐漸具象化。

伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒）作品《氣動激情》（2020–2024）和《靈變》（2025）將呼吸的動作轉化為雕塑形式，以特定節奏敲擊的石頭、玻璃容器與其中的霧氣，模擬肺部呼吸的運動，體現對昇華的渴望。

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯（1979年生於倫敦）展出由人工智能生成的繪畫作品，重新詮釋斯里蘭卡的殖民歷史，並將政治敘事與數位抽象風格相融合，藉此質疑「自動化記憶」時代中的歷史真相。

徐清波 （1930 至2021年，板橋）的攝影《密談》（1956）捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈。既分隔，又連結，映照出展覽中反覆出現的追尋與失落主題。

傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷）錄像作品《礦物王國（暗綠）》（2025）將個人悲傷轉化為數位地景，並運用如夢似幻的意象，讓記憶與虛擬場域相互交融。

二樓展覽將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題。展出作品追溯現代藝術脈絡，由對感知、詮釋與連結的渴望所塑造 —— 透過思慕的視角，共同重構對世界的想像。

陳澄波（1895至 1947年，嘉義）於1920至1930 年代創作的明亮風景畫，呈現時代交會下臺灣的變遷風貌，體現出在地傳統與全球現代主義之間的對話。

伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎）的雕塑《此處》（2025），以分藏兩地的古典繪畫《富春山居圖》為靈感，打造出一座鏡像森林，並將分離的主題轉化為充滿反思意蘊的視覺詩篇。

皮・斯塔弗（1987年生於伯格諾里吉斯）的錄像《骸骨》（2025）將展間轉化為探討控制與抵抗的場域，透過紅外線影像與詩意敘事，檢視身體如何被規訓與解放。

莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特）作品《小室》（2012–2013）將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，以此構築出強烈的隱喻，揭示歸屬感中保護與禁錮的雙重性。