由陶藝家與插畫創作者梁若茜創立的 ZI YONE CRAFT STUDIO，自2020年以來專注於陶瓷工藝與圖像創作的融合實踐，從陶器、燈具到織品與插畫，ZI YONE 的作品總展現著詩意、敘事與觸感並存的設計語彙。近期，ZI YONE 則於台北人氣早午餐店 NOOK TAIPEI 旗下的咖啡廳 SOIL 發起展覽《In use, In pause》，透過器物探索藝術與生活的交界。《In use, In pause》象徵「使用之間」的含義，這次展覽將聚焦於物件在「使用」與「靜止」兩種狀態下的轉換與存在。展場中部分杯具實際作為內用器皿，讓觀者能夠親自拿起、觸摸甚至使用，體會陶器的重量與溫度。梁若茜說：「這些器物的在場不只是展示，而是透過接觸更直接的被感知連結。」

燈具「Ougen」為本次展覽的核心系列之一，靈感來自「源頭」與「組成」的想像。作品以灌漿製陶的技法製成，能自由拆解與重組，因為每一件作品都經過手工組構與釉色變化，所以產生的光影變化都有所不同，即便每一道工序裡仍有些微的誤差與瑕疵，但梁若茜形容：「這樣的歷程與質地，更接近我心中『收藏設計』的樣貌。」

「Gnomes」是從自我覺察過程中誕生的角色，他們是一群性格直率、接近失禮邊緣的精靈種族。作品採自由手捏，保留製作時的痕跡與不規則手感的質地，讓陶土發揮「不完美」的特性，強調接近土地的原始質感，也讓這些地精的生命力更完整的自然呈現。

在這次展覽中，可以看見多組經典杯款樣式，包括「點點系列」、「噴槍系列」與「塗鴉系列」，各自展現陶藝與圖像語彙的不同面向。像是「點點系列」是 ZI YONE 初期推出的系列樣式，以多色的釉下彩隨機噴製散落，形成每一只杯子都不重複的圖樣與色彩節奏，讓日常飲水也成為一場視覺遊戲。而「噴槍系列」則是根據色彩濃度與堆疊的改變，產生特殊的漸層與線條樣式，因為噴槍的獨特效果，進而創造出獨特漸層與線條感，讓作品風格偏向街頭與都市感，構成柔性設計中的一抹銳利。至於「塗鴉系列」則是完全手繪的創作，包含地精、幽靈、星星、圖騰等，藉由雕刻、泥點、釉筆與釉下彩等多重技法繪製，讓每一件都是獨一無二的存在。

展覽中亦展出多組盆器作品，靈感來自紅土盆的質樸與實用性。透過重新配置釉色、器型與土質組合，將實用器物轉化為空間造景的一部分。不同尺寸與造型的設計，讓植栽從照料行為進一步成為生活風格的延伸。

綜觀展場中的作品，可以看出梁若茜對「線條」有特別敏銳的感受：「太筆直、太剛硬的線，會讓我覺得它不會呼吸，所以我常常會潛意識地讓線條更圓潤一些，對我來說那是比較舒服的存在。」、也因此，在作品的形狀、色彩與釉面中，都能看見她對「舒服」的追求。此外，在色彩的選擇上，梁若茜則強調「溫柔但不無聊」的色調，並依據觀者、客人的氣質去調配顏色，她形容：「我腦中會直覺浮現畫面與配色，而那些色彩組合就像是性格溫暖，但不搶眼的朋友。」

最後，梁若茜對於自己的創作則提到：「我覺得做陶就像鍊金術，我要先有好的狀態，才能把能量灌注進作品裡。」所以在這場展覽中，物件不只是藝術品，也是一種關於生活節奏與感官記憶的邀請。你可以走近它、握住它、使用它，因為這些器物的目的從來不是「被展示」，而是成為你生活的一部分。

台北藝廊奇想會 Whimsy Works Gallery 全新展覽，由日本藝術家 Yufi Yamamoto（山本ユフィ）於今年5月30日至6月22日帶來個展《I'm There But I'm Not》 ，Yufi Yamamoto 也將在展覽開幕之5月30日至6月1日親自現身奇想會現場，與觀眾交流創作與靈感。繼2023年榮獲 ONE ART Taipei 新賞獎，並於台灣舉辦首次個展，兩年後 Yamamoto 帶著創作語彙與情感層次的進化重返台北；此展亦為她首度完整發表以油畫創作的系列之作。

描繪理想中的女性，也畫出自我觀照的出口

擁有日本、韓國與俄羅斯血統、長年旅居加州的 Yamamoto，其藝術風格深受當地街頭文化與衝浪生活影響，融入中世紀現代主義、包浩斯與孟菲斯等色彩語彙，並結合對復古物件與褪色表面的喜愛，發展出大量粉彩色調的視覺語言。對她來說，「加州的天空」與其特殊色調早已內化成記憶與風景的一部分，也成為創作靈感的核心來源之一。

而她畫裡的角色大多是女性，不是刻意設定，而是出於經驗：「我只能畫我熟悉的身分。」這些女性常具備自信、好奇與獨立的特質，並不完美，卻真實而自由。作品在柔中帶刺的節奏中流露女性觀點與內在對話。這樣的情緒來自於跨文化成長經驗中所伴隨的孤獨與疏離感，也成為她創作的重要燃料。

畫布上綻放的自由，將作品視為情緒而非物件

Yamamoto 長期以壓克力作為創作核心，此次媒材轉換為她帶來了新的情感經驗與視覺探索。「油畫讓我能花更多時間去描繪層次與細節，也讓我得以回到畫面中繼續加入新的想法。它像是一個打開的世界，讓我可以更自由地在顏色與構圖中遊走。」她坦言，這種節奏的調整也影響了情緒的處理方式，使畫作擁有更多停留與沈澱的可能性。

Yamamoto 的畫作常在抽象與具象之間擺盪，刻意保留模糊與曖昧的空間。「我畫畫的方式其實就是我看待世界的方式。這個世界是模糊而流動的，很多事表面看似如此，實則並非。」因此，在她的作品裡，人體與風景經常融合，構成一種暫停的時間感與漂浮的視覺結構。值得一提的是，觀者也常對她的畫作產生「從未去過卻有莫名鄉愁」的感受，對此 Yamamoto 分享，「我覺得我畫的不是物件，而是情緒。」使她的作品得以開放地邀請觀者投射自身經驗，參與每一幅畫的情緒敘事。

全新作品，以更深層的節奏描繪生活和記憶

本次展出作品包含多幅全新創作：如《Do You Have a Destination?》中獨立又好奇的女孩搭配復古車，拋出人生提問的同時提醒自己要保持專注，但也別忘了享受生活、《The End of One Love is The Beginning of Another》則將浪漫投射在即將消逝的電話亭中，捕捉一段關係的淡出，帶有復古氛圍、《Heat Waves》以她最愛的加州沙漠城市 Palm Springs 為場景，以綠意色調捕捉酷暑與植栽交錯的色彩張力，呈現沙漠天堂的氣息。

她也透露未來將繼續探索油畫與更大的畫布，並對「斷奏式（staccato）」筆法與更多抽象元素的嘗試產生興趣，期待以新的節奏與主題延伸創作深度。Yamamoto 進一步表示，兩年來她幾乎不間斷地進行展覽，也期待每一年都能成為更成熟的創作者，「創作對我來說，是觀照記憶與自我的方式。」

本次展覽名稱《I'm There But I'm Not》則來自 Yamamoto 對於自我感知與創作狀態的誠實回應。「每次看著自己的畫，我都彷彿成為其中的角色。我可以聞到空氣、感受到風吹、感受畫中人物的情緒。」她以畫作為情感的通道，進入一個超越日常經驗的維度。希望透過這場展覽，再次邀請觀者走進那個既熟悉又陌生、既輕盈又深刻的內在風景。而展覽同一時間，Yufi Yamamoto 亦有參與另一日本線上藝廊 WORDS Gallery 的藝術家聯展《Plastic Coast》，亦將於奇想會登場。

日本線上藝廊 WORDS Gallery 與奇想會 Whimsy Works Gallery 合作，於今年5月30日至6月22日帶來全新聯展《Plastic Coast》，聚焦於日本長崎縣對馬島日益嚴重的海洋廢棄物危機。系列展覽自去年於日本巡迴兩站後獲得熱烈回響，首次移展於台灣亮相。《Plastic Coast》以藝術視角作為切入，試圖呈現人們鮮少接觸的真實現場──那些隨洋流堆積至島嶼邊緣的塑膠與漁業垃圾，如何長期影響海岸生態與島民生活。

WORDS Gallery 讓藝術更貼近人類活動，持續影響人們的價值觀

WORDS Gallery 成立於2021年，陸續推出以氣候危機、生物多樣性、海洋污染為主題的系列展覽。繼上一檔 #03《Plastic Ocean》後，#04《Plastic Coast》聚焦離島海域受到塑膠與漁具廢棄物污染的加劇現象。畫廊此次與對長崎縣馬市政府合作，提供當地實際收集的海洋廢棄物作為展覽素材，亦有部分作品融入海廢物件進行創作，讓觀眾直面這些本被視為無用之物的真實樣貌。

本展邀請4位與海洋有深厚關聯的藝術家共同參與：出生於美國佛羅里達、現居洛杉磯的 Dillon Froelich，擅長透過非線性結構探索記憶與文化原型，現任《辛普森家庭》背景構圖師，運用海邊的塑膠製品垃圾製作成角色。風格鮮明、大膽用色的 Keeenue 曾與多家國際品牌合作，其作品介於具象與抽象之間，以藍色瓶子為媒材呈現本次作品。以簡潔線條與幽默感著稱的 Hikaru Matsubara，作品曾見於 adidas、LACOSTE、《POPEYE》雜誌，將海廢融入其中一幅作品之中。

以及同一時間於奇想會舉辦個展《I'm There But I'm Not》的 Yufi Yamamoto，結合復古美學與衝浪文化，從女性視角延伸對自然與社會的細膩回應，則為本次聯展打造半球形藝術裝置。

翻轉議題，藝術融入的行動與再思考

WORDS Gallery 致力於透過藝術呈現環境與社會議題，將觀看轉化為一種更具銳度的感知方式。本展《Plastic Coast》不僅讓觀者重新認識「垃圾」的形狀，也希望透過創作重新梳理人類與自然、個體與島嶼的距離與關係。藝術家聯展《Plastic Coast》將在奇想會空間內呈現一次關於海洋、污染、與再思行動的對話邀請。