台北藝廊奇想會 Whimsy Works Gallery 全新展覽，由日本藝術家 Yufi Yamamoto（山本ユフィ）於今年5月30日至6月22日帶來個展《I'm There But I'm Not》 ，Yufi Yamamoto 也將在展覽開幕之5月30日至6月1日親自現身奇想會現場，與觀眾交流創作與靈感。繼2023年榮獲 ONE ART Taipei 新賞獎，並於台灣舉辦首次個展，兩年後 Yamamoto 帶著創作語彙與情感層次的進化重返台北；此展亦為她首度完整發表以油畫創作的系列之作。

描繪理想中的女性，也畫出自我觀照的出口

擁有日本、韓國與俄羅斯血統、長年旅居加州的 Yamamoto，其藝術風格深受當地街頭文化與衝浪生活影響，融入中世紀現代主義、包浩斯與孟菲斯等色彩語彙，並結合對復古物件與褪色表面的喜愛，發展出大量粉彩色調的視覺語言。對她來說，「加州的天空」與其特殊色調早已內化成記憶與風景的一部分，也成為創作靈感的核心來源之一。

而她畫裡的角色大多是女性，不是刻意設定，而是出於經驗：「我只能畫我熟悉的身分。」這些女性常具備自信、好奇與獨立的特質，並不完美，卻真實而自由。作品在柔中帶刺的節奏中流露女性觀點與內在對話。這樣的情緒來自於跨文化成長經驗中所伴隨的孤獨與疏離感，也成為她創作的重要燃料。

畫布上綻放的自由，將作品視為情緒而非物件

Yamamoto 長期以壓克力作為創作核心，此次媒材轉換為她帶來了新的情感經驗與視覺探索。「油畫讓我能花更多時間去描繪層次與細節，也讓我得以回到畫面中繼續加入新的想法。它像是一個打開的世界，讓我可以更自由地在顏色與構圖中遊走。」她坦言，這種節奏的調整也影響了情緒的處理方式，使畫作擁有更多停留與沈澱的可能性。

Yamamoto 的畫作常在抽象與具象之間擺盪，刻意保留模糊與曖昧的空間。「我畫畫的方式其實就是我看待世界的方式。這個世界是模糊而流動的，很多事表面看似如此，實則並非。」因此，在她的作品裡，人體與風景經常融合，構成一種暫停的時間感與漂浮的視覺結構。值得一提的是，觀者也常對她的畫作產生「從未去過卻有莫名鄉愁」的感受，對此 Yamamoto 分享，「我覺得我畫的不是物件，而是情緒。」使她的作品得以開放地邀請觀者投射自身經驗，參與每一幅畫的情緒敘事。

全新作品，以更深層的節奏描繪生活和記憶

本次展出作品包含多幅全新創作：如《Do You Have a Destination?》中獨立又好奇的女孩搭配復古車，拋出人生提問的同時提醒自己要保持專注，但也別忘了享受生活、《The End of One Love is The Beginning of Another》則將浪漫投射在即將消逝的電話亭中，捕捉一段關係的淡出，帶有復古氛圍、《Heat Waves》以她最愛的加州沙漠城市 Palm Springs 為場景，以綠意色調捕捉酷暑與植栽交錯的色彩張力，呈現沙漠天堂的氣息。

她也透露未來將繼續探索油畫與更大的畫布，並對「斷奏式（staccato）」筆法與更多抽象元素的嘗試產生興趣，期待以新的節奏與主題延伸創作深度。Yamamoto 進一步表示，兩年來她幾乎不間斷地進行展覽，也期待每一年都能成為更成熟的創作者，「創作對我來說，是觀照記憶與自我的方式。」

本次展覽名稱《I'm There But I'm Not》則來自 Yamamoto 對於自我感知與創作狀態的誠實回應。「每次看著自己的畫，我都彷彿成為其中的角色。我可以聞到空氣、感受到風吹、感受畫中人物的情緒。」她以畫作為情感的通道，進入一個超越日常經驗的維度。希望透過這場展覽，再次邀請觀者走進那個既熟悉又陌生、既輕盈又深刻的內在風景。而展覽同一時間，Yufi Yamamoto 亦有參與另一日本線上藝廊 WORDS Gallery 的藝術家聯展《Plastic Coast》，亦將於奇想會登場。

日本線上藝廊 WORDS Gallery 與奇想會 Whimsy Works Gallery 合作，於今年5月30日至6月22日帶來全新聯展《Plastic Coast》，聚焦於日本長崎縣對馬島日益嚴重的海洋廢棄物危機。系列展覽自去年於日本巡迴兩站後獲得熱烈回響，首次移展於台灣亮相。《Plastic Coast》以藝術視角作為切入，試圖呈現人們鮮少接觸的真實現場──那些隨洋流堆積至島嶼邊緣的塑膠與漁業垃圾，如何長期影響海岸生態與島民生活。

WORDS Gallery 讓藝術更貼近人類活動，持續影響人們的價值觀

WORDS Gallery 成立於2021年，陸續推出以氣候危機、生物多樣性、海洋污染為主題的系列展覽。繼上一檔 #03《Plastic Ocean》後，#04《Plastic Coast》聚焦離島海域受到塑膠與漁具廢棄物污染的加劇現象。畫廊此次與對長崎縣馬市政府合作，提供當地實際收集的海洋廢棄物作為展覽素材，亦有部分作品融入海廢物件進行創作，讓觀眾直面這些本被視為無用之物的真實樣貌。

本展邀請4位與海洋有深厚關聯的藝術家共同參與：出生於美國佛羅里達、現居洛杉磯的 Dillon Froelich，擅長透過非線性結構探索記憶與文化原型，現任《辛普森家庭》背景構圖師，運用海邊的塑膠製品垃圾製作成角色。風格鮮明、大膽用色的 Keeenue 曾與多家國際品牌合作，其作品介於具象與抽象之間，以藍色瓶子為媒材呈現本次作品。以簡潔線條與幽默感著稱的 Hikaru Matsubara，作品曾見於 adidas、LACOSTE、《POPEYE》雜誌，將海廢融入其中一幅作品之中。

以及同一時間於奇想會舉辦個展《I'm There But I'm Not》的 Yufi Yamamoto，結合復古美學與衝浪文化，從女性視角延伸對自然與社會的細膩回應，則為本次聯展打造半球形藝術裝置。

翻轉議題，藝術融入的行動與再思考

WORDS Gallery 致力於透過藝術呈現環境與社會議題，將觀看轉化為一種更具銳度的感知方式。本展《Plastic Coast》不僅讓觀者重新認識「垃圾」的形狀，也希望透過創作重新梳理人類與自然、個體與島嶼的距離與關係。藝術家聯展《Plastic Coast》將在奇想會空間內呈現一次關於海洋、污染、與再思行動的對話邀請。

奇想會全新展覽《Closest and Farthest Thing》邀請來自日本新潟的藝術家相川惠子，詮釋她以油彩描繪的人物畫作。透過拆解臉部元素的獨特視角，相川惠子試圖揭示人類表面看不見的複雜性與多面性，這種藝術表達並非刻意破壞，而是希望觀者能夠接受並理解人類內在的多樣性，甚至認識到自身的複雜性。相川惠子的畫作不僅是對人類面貌的描繪，也是一種對抗偏見、刻板印象和既有概念的藝術表達。她的作品蘊含著強烈的呼籲，挑戰人們對於人性的簡化與偏見。

相川惠子的藝術生涯起源於她對漫畫的熱愛，從小就夢想成為漫畫家。後來進入大學後，她接觸到了現代藝術，逐漸開始了正式的藝術創作活動。她深受弗朗西斯·培根的影響，尤其是在探索人類內心情感的複雜性上。此外，她對大竹伸朗的多產創作以及其跨界創作的能力充滿敬佩，這啟發了她在藝術中的多樣性探索。靈感方面，參觀美術館或欣賞其他藝術家的作品對相川來說極具啟發性。這些經驗往往能激發她的創作欲望，有時她甚至會從自己的筆觸中找到靈感，讓她的創作過程充滿偶然的發現與驚喜。

相川惠子也分享她的創作靈感與理念，她坦言：「透過描繪臉部，我彷彿觸碰到了全新的自己。畫得越多，我越覺得無法理解自己，最靠近和最遙遠的事物便是自己。」她的作品表現出一種在自我與人類情感間的模糊探索，正是這種對無窮盡的探索推動著她不斷創作。相川惠子也強調，她的作品並不容易用一句話來概括。每個人對她的作品的印象都會有所不同，這源自於她的創作處在具象與抽象之間的模糊地帶。她希望通過這種模糊感，讓觀者產生不同的見解與情感共鳴。

相川惠子在創作過程中非常注重臉部表情和眼睛的細節。她不喜歡拘泥於單一風格，而是喜歡嘗試不同的表達方式。對她來說，創作並非按計劃進行，而是在與畫布的對話中，通過不斷的實驗和探索，找到新的靈感。她表示，眼睛和表情是她創作中最重要的部分，總是努力找到新的方式來表現這些細節。

色彩是相川惠子作品中的重要元素。她的選擇多半依靠直覺，喜歡飽和度全然不同的色彩搭配在一起，創造一種視覺上的衝突與平衡。這種色彩搭配賦予她的作品一種情感深度，同時也突顯了作品中的內在張力。她認為，創作過程中的最激動人心的時刻來自那些意外的成功或色彩搭配的發現。這些瞬間往往讓她感到創作的意義與樂趣。相川認為，實驗、色彩和忘記既有的風格是她創作中不可或缺的3大元素，這讓她的作品不斷自我更新與突破。

《わたしのもっともらしい部分》：這是此次個展中創作時間最長的作品之一。相川惠子多次重畫這幅作品，最終成為她內心最真實情感的表現。她特別在這幅作品中描繪了長髮，這在她的創作中並不常見。她認為，長髮能夠表達出一種纖細和脆弱的情感，正如人類情感中最敏感的部分。

《言葉の意味がなくなっていく》：這幅作品展示了臉中有臉的構圖，象徵人類無法用語言完整表達的情感。相川在極快的創作過程中完成了這件作品，展現了她對內在情感與語言之間張力的思考。

《無限に複雑なもの》：這原本是一件失敗的作品，最終經過重新創作後轉變為展覽中的亮點。相川惠子在作品中保留了底層畫面的部分，展示了藝術創作中的偶然性和不可預測性，這讓她的作品充滿了無限的可能性。