臺北市立美術館主辦之2026年「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館，代表參展藝術家李亦凡偕同北美館團隊於今日正式公布，邀請現任美國丹佛藝術博物館（Denver Art Museum）現代與當代拉丁美洲藝術部門主任哈法艾爾・馮希卡（Raphael Fonseca）擔任本屆台灣館策展人。作為來自巴西、活躍於國際藝壇的新世代策展人，馮希卡將與同世代的藝術家李亦凡展開一場跨地域、跨文化的對話，回應資訊與影像爆炸的時代處境，思考人類與科技之間錯綜的連結與辯證，展現臺灣當代藝術在全球數位語境中的共鳴，並探討個體如何憑藉一己之力參與、理解與建構自身所處的世界。

馮希卡於巴西里約熱內盧州立大學（UERJ）取得藝術史與藝術評論博士學位，近年在國際策展實踐備受矚目，橫跨南美、歐洲與亞洲，並連續兩年（2023、2024）入選《ArtReview》「全球百大最具影響力的當代藝術人物」。他於2025年擔任第14屆第14屆南方共同市場雙年展（Mercosul Biennial）總策展人，與李亦凡初次展開合作並建立對話基礎。馮希卡擅以幽默荒誕的策展語彙構築展覽現場，將其視為一場集會與舞台，融入大眾文化熟知的意象，引發觀眾對當代處境的思辨，而這樣的策展語境，與李亦凡作品中結合黑色幽默與戲劇化敘事相互呼應。

馮希卡長期聚焦「全球南方」（Global South）藝術家的創作實踐，探討當代藝術於跨地域脈絡下所蘊含的文化與政治能量，並思考不同語境並置能如何激發觀眾對當代議題的反思，擅以開放且多元的視野拓展跨國對話的可能性。北美館駱麗真館長表示：「憑藉策展人活躍的國際策展經驗與獨特視角，期待本屆台灣館能開闢新世代所關注的當代對話取徑，並以南方視點開啟對影像、科技與人類存在的共同思索。 」

與此同時，北美館首度公布本屆台灣館展覽命題，將以「鬱卒的平面」為名，展名以藝術史上常被引用的母題「鬱卒（Melancholy）」為切入，揭示李亦凡回應當下數位環境中，人在面對數位軟體所制約和形塑的世界時，因感知的扁平化而產生出焦慮與鬱悶。展覽將延續李亦凡對影像生成技術與即興敘事的探究，以其獨具個人特色的創作手法，挑戰我們慣常的觀看模式。面對資訊過剩且不斷流動的時代，他提出對感知、主觀意識以及人類如何在未來表達自我的思考。生命短暫，知識無涯，當我們無法以理性或檔案學的方式全然理解一切，或許只剩下「鬱卒」能回應當下的狀態。

正在荷蘭 Rijksakademie（皇家視覺藝術學院）駐村的李亦凡，數次往返威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni，簡稱普宮）場勘，作品靈感來源之一是普宮的建築本體，預期創造一個類似迷宮般的虛實環境，一件將於中央大廳展出的因地制宜錄像作品。搭配數件誇大的人體雕塑，以不同角度的肢體部位錯落在普宮的房間與廊道，觸發觀者對物質碎片化的反思。馮希卡表示：「李亦凡的創作持續探索藝術家與媒介（或軟體工具）之間的關係，從繪畫、電影、動畫一路追溯至今日 AI 生成影像的思考，揭開對當代影像生產的關注，再由詼諧荒誕的手法，批判性地回應影像生成工具的演變，以及影像政治的形成，期待本屆作品能引發人們的知覺經驗，改變理解世界的方式。」

自2019年以來，李亦凡持續以遊戲引擎、實時影像及動態建模系統開發專屬的影像生成工具，藉此思考遊戲中時間與空間的奇異凝滯，探究技術中介與敘事建構之間的關係。例如首度嘗試以即時 3D 運算軟體「Unreal Engine」（虛幻引擎）進行創作的作品《important_message.mp4》（2019-2020）；或是透過動態捕捉（Motion capture）人物肢體動作的作品《Rewiring》（2020），探討數位時代人類如何控制虛擬的數位身體，並探索控制技術所延伸的情慾狂想。

他長期關注網路世界資訊的混雜與過度流動，以及其對身體與心理造成的騷動，組構出跳躍的敘事技巧與演說式腳本，如作品《不好意思‧‧‧請問一下這個怎麼打開（howdoyouturnthison）》（2021），巧妙地操控扭動的自身人偶，以第一人稱呢喃自語的討論人與科技的陰謀論；作品《難忘的形狀（What Is Your Favorite Primitive）》（2023），以一場諷刺性的科技發表會為形式，反思影像如何重塑溝通方式，試想影像技術是否終有一天能投射出尚未實現的「整體性」，進而建構一種全新的生存狀態。

李亦凡曾說：「我將創作過程形容為一場「藝術家與軟體之間的殊死戰」——在疲憊、拉扯與碰撞的抗衡中，敘事緩緩生成。在當代影像的生產中，創作者無可避免地依賴各式各樣的軟體工具；它們有的開源自由，有的極度商業。每一種選擇都代表著不同的表達可能性，同時也隱含著各自的侷限與控制。我在這些體系之間遊走，試圖理解創作者與當代工具之間那種微妙的依存與抵抗關係。透過這樣的過程，我試圖從這些影像生產技術出發，去思考人與科技媒介之間的狀態。」李亦凡透過類似數位操偶的方式——模仿各種線上教學影片的語氣展開敘事，不僅質疑自身，亦向觀眾拋出關於人類知識的多元面向，流露出對當下與未來的悲觀情緒。隨著影像場景的轉換，劇場背景不斷變化，資訊量層層堆疊，形成一種百科全書式的觀看經驗：既展現了人類對世界浩瀚無垠的掌控欲和好奇心，同時也凸顯了我們理解世界的局限性，並最終回歸一個核心提問——究竟，何謂「人」？

「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館將呈現一件式影像裝置，李亦凡以其擅長的「教學頻道」形式進行獨角演出，檢視當代影像生產工具以「軟體即服務」（Software as a Service）的運行模式，探討人類如何透過「特定媒介」感知世界，思考這樣的模式如何改變使用者對影像再現本質的理解，並延伸至今日不可忽視的 AI 生成影像話題，讓媒介本身成為一個不斷反思、轉譯與轉化的場域。

日本藝術家雙人組 magma（杉山純、宮澤謙一）於10月17日至11月23日在 Whimsy Works Gallery 舉辦個展《Mixed Foods》，展覽中，他們以「食物」作為線索，延伸他們對「組裝」的思考與實踐，展出作品多取材自兩人在日本蒐集的「食物」與「角色」相關物件，透過拼貼與再構成，生成充滿趣味的立體造型，期盼帶來結合令人懷念的類比感與瘋狂色彩的印象。

而「食物」並非單純的主題，也想表達社會的不平等與分裂、氣候危機對農漁產的衝擊，也映照出大規模消費體制下的食物浪費與生產過剩，magma 以色彩奔放、俏皮的組裝手法，讓日常物件與角色以新的姿態現身，它們既具大眾親近感，也在視線停留的瞬間，暴露出文明系統的荒謬與矛盾。因此《Mixed Foods》不僅是關於「吃」的展覽，更是一場關於「消化」與「再生」的現代反映。

magma 於日本已多次舉辦個展，並將創作延伸至家具、產品、小道具製作、舞台美術與空間統籌等領域，也與 Nike、New Balance、UNIQLO 等品牌及多位音樂人合作。《Mixed Foods》為他們首次於台灣舉辦個展，展出多件新作與代表作。在色彩的選擇上，magma 會將塗裝後色彩飽滿的成品、素材本身的原色，以及經時間變化而難以再現的色調混合使用，希望各種顏色都能保留原有的質地與差異。他們的創作起點源自早期協助其他藝術家工作的經驗，並持續在生活中蒐集物件，從那些「半吊子又有點醜的東西」中獲得靈感。

此外，對 magma 來說，能夠持續收集物件，便能從與物品的相遇過程中獲得靈感，而能嘗試不同的創作，則能拓展作品呈現的可能性，他們還說道：「在創作過程裡，我們會盡量避免依循慣性，因此每次創作都嘗試不同的組裝方式與材料處理，那種讓偶然出現的元素逐漸連成線時，是最令人愉快的瞬間。」

magma 也期望能在這次的展覽《Mixed Foods》裡，藉由這些以不同媒材、創作形式所產生的作品，讓觀者在體會展覽命題的同時，也能根據相異的作品，產生不同的視覺衝擊。